Ya es costumbre que el mes de Octubre esté lleno de buenos festivales y conciertos de calidad acá en México. Estos son sólo tres de los mejores que pude ver este año.
PIXIES
El regreso de los Pixies y primera vez en nuestro país cerrando el festival capital, fue uno de esos acontecimientos que debían ocurrir. Con ya dos intentos fallidos (el primero, un concierto fantasma que nunca se confirmó, el segundo, una cancelación por robo de instrumentos) la probabilidad de volverse a reunir era lejana. Sin embrago, llegó la sorpresa de reunión y, mejor aún, su visita a la ciudad. No hicieron falta más que los instrumentos básicos de una banda de rock: batería, bajo y guitarra; la energía de Joey Santiago; el carisma de Kim Deal al interpretar todo el Dolittle; el virtuoso Dave Lovering; las delirantes letras y gritos en la voz de Black Francis. Años después de una carrera prolífica para el rock mas no para ellos, ahora son reconocidos merecidamente.
ARCADE FIRE
Después de tres grandes discos que los han puesto en lo más alto de la pirámide musical actualmente, los canadienses Arcade Fire vinieron a México para dar un enorme concierto que a todos dejó impactados, pues la coordinación y energía en el escenario se combinó con la emocionante respuesta del público.
FLAMING LIPS
Los conciertos de Los Flaming Lips se han vuelto todo, absolutamente todo, menos aburridos. Desde que salen al escenario por una vagina en la pantalla y Wayne Coyne entra en una esfera gigante para rodar sobre el público, hasta las botargas que bailan en el escenario durante todo el concierto más el impactante show visual; al final, son elementos que complementan perfecto con la música que hacen: una mezcla de rarezas y experimentación de su último disco Embrionyc con éxitos como Race For Price. En resumen, una super-emotiva-experiencia-psicodélica.
Size nació por el año 1978 con un sonido completamente particular del glam, synth y punk-new wave de la escena under de Estados Unidos, sólo que estos eran mexicanos y eran liderados por Illy Bleeding. Dentro del abismo olvidado que era el rock mexicano en ese momento, Illy mantuvo su postura de innovar en un círculo que se cerraba a las nuevas expresiones artísticas, especialmente si estas atentaban contra la cerradísima moral establecida por el gobierno. La batalla de Illy por permanecer “vivo”, en nuestra caprichosa y poco objetiva escena, duró toda su vida y, al final, a pesar del repunte de los últimos días antes de su muerte, no pasó ( ni pasará) más allá de ser un olvidado artista de culto. Illy Bleeding murió el 26 de octubre de 2010.
Desde aquí un homenaje al único Glam-punk y mayor coleccionista de lagartijas del país: Illy Bleeding. También para SIZE, para los synths de This Grace y a Casino Shangai… ¿por qué no? A dos grandes que murieron este año: Ari Up, quien en su primer concierto con The Slits le abrieron a The Clash y Captain Beefheart que no por casualidad tocaba con Zappa, estaba igual de loco.
Su primera presentación en México, un concierto entendiblemente con un repertorio muy corto, presentando su recién salido disco Transit Transit y con algunos temas también de su álbum debut Future Perfect llenando el pequeño lugar de noise y una fusión de voces agudas de tres grandes músicos que sin duda les espera un largo largo trayecto y yo me quedo esperando más de ellos y por supuesto una segunda presentación de nuevo en nuestro país.
La reinvención es la virtud innata de los grandes artistas; esos que se desprenden de su trabajo y pueden posicionarse en otro estilo. Es el caso de este grupo. Dejaron a un lado un sonido, una estructura, por así decirlo, para experimentar con otra muy diferente.
New Order es una agrupación que sabe combinar la persistente base electrónica sostenida de baterías y teclados rítmicos, con la melodía de la voz. Brotherhood, de 1986, es su cuarto disco. Para este álbum su sonido se complementa y amplía con el acompañamiento de la guitarra y, a su vez, es más digerible. Si bien ya no se encuentra la oscuridad que había en Joy Division, -pues las letras, voces y forma de cantar de Bernard Sumners y Peter Hook hacen que New Order suene a un pop suave- esto no las convierte en canciones felices, sino impregnadas de un matiz grisáceo, reflejado en su portada.
Este sonido más orgánico se siente desde las primeras canciones, como en Weirdo. As It Is When It Was es una melodía sostenida de una guitarra acústica. El bajo de Broken Promises o el órgano en Way Of Life recuerdan lo que fueron en la época de Ian Curtis: potencia en la base, más oscura ambientación y distorsión, pero nuevamente cuando la voz se hace presente lo cambia todo. Angel Dust regresa al New Order más conocido: lleno de sintetizadores, y en la tranquilidad e ironía de Every Little Counts nos percatamos de que escuchamos un disco completo. Un buen disco.
Recorriendo su discografía te das cuenta de que todos los años de New Order haciendo música son la conexión entre la última era de post punk/new wave con la del pop británico de los 90’s, sin pasar por alto que hicieron una de las bandas originarias del estilo gótico.
Noah Lennox -aka- Panda Bear de Animal Collective visitó el DF y dio un concierto excepcional. El lugar: el Polyforum, un espacio bellísimo abarrotado por el arte de Siqueiros, cálido y perfecto para la psicodelia con la que Panda Bear nos llenaría a través de su música experimental. Color, visuales, melodía, ambient, energía, coros, guitarra, percusiones tribales. Toda una experiencia, sin duda. A la fecha tiene 4 discos como solista; 8 con Animal Collective, más compilaciones, ep’s, álbumes en vivo y uno visual.
SETLIST
1.Drone 2.Daily Routine 3.Tomboy 4.Guys Eyes 5.Surfers Hymn 6.Ponytail 7.Last Night at the Jetty 8.Benfica 9.Comfy in Nautica 10.Slow Motion 11.Bullseye 12.You Can Count On Me Encore: 13.Alsatian Darn 14.I Think I Can
-Escoje 3 letras y cuatro números y ése será el nombre del blog-. Ésa puede ser la historia de nuestro nombre, o puede que Neu! sea, tal vez, la banda consentida de este blog. Quién sabe. El punto es que lo que queda del duo neu! (se pronuncia noi) se presentó en la ciudad de México hace unos días.
El grupo originalmente lo conformaron Michael Rothers y Klaus Dinger después de salirse de Kraftwerk. Juntos lograron terminar 3 discos y medio antes de seguir cada quien su camino. Hace un par de años murió Dinger y Rothers aprovechó para sacar el “Neu! 4” o “86”, ese último disco incompleto; se juntó a unos músicos (Steve Shelley, Sonic Youth y Aaron Mullan, Tall Firs) y está tocando con el nombre de HALLOGALLO (nombre de la primer rola del primer disco de neu!).
Un sonido más sintetizado y con más ruido, ayudado de una lap top, se escucha en las nuevas interpretaciones de las antiguas rolas de neu!
No importa, nunca han sido dignamente exitosos. Sólo han influido cabrón en banditas como PIL; o reproducidos en los tocadiscos de Eno y Bowie cuando nadie los escuchaba.
Nick Cave con The Bad Seeds, Birthday Party o Grinderman, es una figura legendaria en la historia del Rock, además de ser escritor. Aquí les muestro la carta en respuesta a MTV cuando fue nominado a uno de sus premios.
TO ALL THOSE AT MTV,
I WOULD LIKE TO START BY THANKING YOU ALL FOR THE SUPPORT YOU HAVE GIVEN ME OVER RECENT YEARS AND I AM BOTH GRATEFUL AND FLATTERED BY THE NOMINATIONS THAT I HAVE RECEIVED FOR BEST MALE ARTIST. THE AIR PLAY GIVEN TO BOTH THE KYLIE MINOGUE AND P. J. HARVEY DUETS FROM MY LATEST ALBUM MURDER BALLADS HAS NOT GONE UNNOTICED AND HAS BEEN GREATLY APPRECIATED. SO AGAIN MY SINCERE THANKS.
HAVING SAID THAT, I FEEL THAT IT'S NECESSARY FOR ME TO REQUEST THAT MY NOMINATION FOR BEST MALE ARTIST BE WITHDRAWN AND FURTHERMORE ANY AWARDS OR NOMINATIONS FOR SUCH AWARDS THAT MAY ARISE IN LATER YEARS BE PRESENTED TO THOSE WHO FEEL MORE COMFORTABLE WITH THE COMPETITIVE NATURE OF THESE AWARD CEREMONIES. I MYSELF, DO NOT. I HAVE ALWAYS BEEN OF THE OPINION THAT MY MUSIC IS UNIQUE AND INDIVIDUAL AND EXISTS BEYOND THE REALMS INHABITED BY THOSE WHO WOULD REDUCE THINGS TO MERE MEASURING. I AM IN COMPETITION WITH NO-ONE. MY RELATIONSHIP WITH MY MUSE IS A DELICATE ONE AT THE BEST OF TIMES AND I FEEL THAT IT IS MY DUTY TO PROTECT HER FROM INFLUENCES THAT MAY OFFEND HER FRAGILE NATURE.
SHE COMES TO ME WITH THE GIFT OF SONG AND IN RETURN I TREAT HER WITH THE RESPECT I FEEL SHE DESERVES - IN THIS CASE THIS MEANS NOT SUBJECTING HER TO THE INDIGNITIES OF JUDGEMENT AND COMPETITION. MY MUSE IS NOT A HORSE AND I AM IN NO HORSE RACE AND IF INDEED SHE WAS, STILL I WOULD NOT HARNESS HER TO THIS TUMBREL - THIS BLOODY CART OF SEVERED HEADS AND GLITTERING PRIZES. MY MUSE MAY SPOOK! MAY BOLT! MAY ABANDON ME COMPLETELY!
SO ONCE AGAIN, TO THE PEOPLE AT MTV, I APPRECIATE THE ZEAL AND ENERGY THAT WAS PUT BEHIND MY LAST RECORD, I TRULY DO AND SAY THANK YOU AND AGAIN I SAY THANK YOU BUT NO...NO THANK YOU.
YOURS SINCERELY, NICK CAVE 21 OCT 96.
traducción:
A TODOS EN MTV,
ME GUSTARÍA EMPEZAR POR AGREDECER A TODOS USTEDES EL APOYO QUE ME HAN DADO DURANTE ESTOS AÑOS Y ESTOY TANTO AGRADECIDO COMO ALABADO POR LA NOMINACIÓN QUE HE RECIBIDO AL MEJOR ARTISTA MASCULINO. EL TIEMPO DE AIRE QUE HAN DADO A LOS DUETOS CON KYLIE MINOGUE Y P. J. HARVEY DE MI ÚLTIMO ALBÚM “MURDER BALLADS” NO HA PASADO DESAPERCIBIDO Y HAN SIDO MUY APRECIADOS. ASÍ QUE, UNA VEZ MÁS, MIS SINCERAS GRACIAS.
DICHO ESTO, ME SIENTO OBLIGADO A PEDIR QUE MI NOMINACIÓN A MEJOR ARTISTA MASCULINO SEA RETIRADA Y QUE OTROS GALARDONES O NOMINACIONES PARA TALES PREMIOS QUE PUEDAN SURGIR EN LOS PRÓXIMOS AÑOS SEAN ENTREGADAS A AQUELLOS QUE SE SIENTAN CÓMODOS CON LA NATURALEZA COMPETITIVA DE ESAS CEREMONIAS DE PREMIACIÓN. YO, PERSONALMENTE, NO. SIEMPRE HE SIDO DE LA OPINIÓN QUE MI MÚSICA ES ÚNICA E INDIVIDUAL Y EXISTE MÁS ALLÁ DE LA REALIDAD INHABITADA POR AQUELLOS QUE REDUCIRÍAN LAS COSAS A UNA SIMPLE MEDICIÓN. NO ESTOY EN COMPETICIÓN CON NADIE. MI RELACIÓN CON MI MUSA ES DELICADA EN LOS MEJORES MOMENTOS Y SIENTO QUE ES MI DEBER PROTEJERLA DE LAS INFLUENCIAS QUE PODRÍAN OFENDER SU NATURALEZA FRÁGIL.
ELLA LLEGA A MI CON EL REGALO DE UNA CANCIÓN Y YO, COMO RESPUESTA, LA TRATO CON RESPETO. SIENTO QUE ELLA SE LO MERECE- EN ESTE CASO SIGNIFICA NO SOMETERLA A LAS INDIGNIDADES DEL JUICIO Y LA COMPETICIÓN, MI MUSA NO ES UN CABALLO Y YO NO ESTOY EN UNA CARRERA DE CABALLOS, Y SI ASÍ LO FUERA, NO LA SUJETARÍA A ESTE YUGO- ESTA CARRETA SANGRIENTA LLENA DE CABEZAS CORTADAS Y PREMIOS BRILLANTES. MI MUSA SE PODRÍA ATERRAR! PODRÍA ESCAPAR! PODRÍA ABANDONARME COMPLETAMENTE.
POR LO TANTO, UNA VEZ MÁS, A LA GENTE DE MTV, APRECIO EL ESFUERZO Y LA ENERGÍA PUESTA DETRÁS DE MI ÚLTIMO DISCO, DE VERDAD, LES AGRADEZCO Y OTRA VEZ LES DIGO GRACIAS PERO NO… NO, GRACIAS.
Celebrando que los Arcade Fire vienen a nuestro país, México, en un mes, dejo unos covers que no sólo muestran el buen gusto de Win Butler y su banda sino la buena calidad al reinterpretar una canción.
Del master David Bowie: “Heroes” (Regine se ve bien guapa)
Hermosa rola de los Talking Heads: “This Must Be The Place”
“Guns Of Brixton”, La rola que cantaba Paul Simonon en The Clash
Este otro par de clásicas canciones, “Boys Don’t Cry” y “Bizarre Triangle Of Love” en la calle.
Siempre han existido grupos que se han visto opacados en su momento por otros de su mismo género. En el britpop la década de los 90s estuvo dominada por dos bandas (que incluso competían entre sí): Oasis y Blur, dejando en segundo término a grandes como The Verve o Suede. Es también el caso de Pulp. Su origen data de más de 10 años anterior a este disco pero sin tanto éxito. Después de algunos intentos encuentran su sonido en “His ‘n’ Hers” para consolidarse y hacer sus mejores canciones en sus dos siguientes álbumes. El primero de esos es: Different Class.
Podríamos comenzar por tratar de definir el sonido que desde las primeras notas de Mis Shapes define el concepto de Pulp: un muy perceptible toque británico con, todavía, una mínima esencia ochentera. Los teclados y guitarras dan, por momentos, el efecto orquestal en su música, mientras la enorme y peculiar forma de cantar de Jarvis Cooker crítica a la sociedad triunfadora por los estereotipos actuales. En Pencil Skirt, Jarvis muestra el lado romántico, así como Something Changed es la balada perfecta que fracasa en su intento de explicar el amor. Uno de los himnos de los 90s es Common People, nuevamente una crítica directa a la más corriente y común forma de ver la vida; en un ritmo casi bailable. La razón principal por la que es imposible igualar una canción de Pulp se debe a la interpretación que como otros grandes cantantes y letristas tiene Cooker, más que cantando, hablando en I Spy. Hablando y contando historias que nos llevan por sus letras melódicas, acidas y oscuras que van del desamor al deseo sexual, como en Underwear.
Lo único malo que podría decir de este disco es que todas sus composiciones llevan la misma temática repetida verso/coro/verso/coro esto lo puede hacer muy predecible.
Antes solía comprar discos en los mercados. Eso fue hace mucho y ya casi no lo hace. Aunque de vez en cuando vuelve y busca algo atractivo para escuchar. Ya no es lo mismo. Nunca lo será. La inmediatez lo mató.
Antes solía comprar discos piratas por 20 pesos, y era emocionante. Tal vez el vendedor recomendaba. Eso fue en otro tiempo. Pero antes solían escucharse discos completos.
Cada domingo se paraban a conversar, por un momento. En aquella ocasión, una de la pocas y últimas, esta fue la recomendación que dejó la experiencia suave de la voz de los violines y de la misma voz. Y de la complacencia de contar historias.
“A la gente le encanta que le cuenten historias” escuché decir alguna vez a Stuart Murdoch vocalista y compositor principal de Belle and Sebastian. En este disco hay historias de gente normal hablando de situaciones normales (recordándonos que cada historia tiene su belleza), también es último donde Isobel Campbell participa. Es quizás el más “light” de su carrera. Y el mejor para mi gusto.
De Guadalajara llegó Carlos Pesina hace un par de años con sus distintos proyectos: pepepe, Pesina Siller y Los Amparito. Proyectos que de inmediato llamaron la atención de nuestra escena electrónica por su peculiaridad a la hora de hacer remixes, primeramente por la selección de artistas y segundo por los elementos que utiliza.
A diferencia de los DJs promedio que encuentran sus influencias en los “beats”, los gustos de Carlos Pesina van de Amparo Ochoa o Serge Gainsbourg a Dat Politics. Tanto hace remixes a Animal Collective como a Cri Cri.
Comienza el disco con un juego de sampleos y secuencias que pepepe va amontonando/mezclando con sonidos de game boy para que desde atrás ingrese el beat de una canción de Unsexy Nerd Ponies. Por momentos el ritmo se esconde entre un sampleo sobre otro y se pierde en este juego, regresa, destaca la voz, y nuevamente vuelven los ruidos de transistores, que estarán presentes en todo el disco. Así acaba la primera canción para dar paso al muy mexicano requinto de guitarra de Jacinto Cenobio que también será sampleado al estilo de pepepe, acompañado en la voz por la cantante Cyané, presente en 5 de los 7 temas. Tan distintivo de nuestro país como ritmos de Huapango, pero con el toque experimental (específicamente con Los Amparito). En el disco puede destacar la voz o el sintetizador, dependiendo de la canción, pero sin duda es una mezcla que promete éxito.
Uno de mis personajes favoritos del… digamos “círculo-público-intelectual-mexicano” (lo siento, no se me ocurre en este momento un mejor adjetivo) es Nicolás Alvarado. Sí, el gordito de La Dichosa Palabra que recientemente está en el canal de Noticias Milenio. Entre miles de cosas más, experto en cine, literatura, poesía, arte en general. Gusto de leerlo y escucharlo. Y en este podcast escucharán cómo su conocimiento lo lleva a entrelazar, con esa fina forma de explicar sus temas preferidos, la literatura de El Marques de Sade y Leopold von Sacher-Masoch, la interpretación de sus obras y la música de mi banda favorita: Velvet Underground.
Cuando la influencia de alguna u otra forma ha estado presente en tu trabajo personal; cuando ha provocado algún tipo de inspiración y deseas darle algo de vuelta en forma de agradecimiento, pues crees que es lo menos que puedes hacer, surgen muchas maneras. En la música tocar la canción del grupo que admiras es una de esas formas de decir: gracias.
La mente detrás de Oasis se llama Noel Gallagher, junto a su hermano Liam la presunción está al máximo, la verdad es que los dos a veces son simplemente insoportables. Pero a diferencia de Liam, Noel es un buen letrista y mejor músico, por eso ha sido invitado a hacer colaboraciones con muchos artistas, por ejemplo: The Chemical Brothers.
Este primer cover es de una de mis bandas favoritas: The Jam, la banda que hizo Paul Weller a finales de los 70’s, Iniciaron en el punk, con el cambio de década cambiaron su estilo y se separaron rápidamente. Weller siguió haciendo buenos discos y nunca ha tenido el reconocimiento debido.
To Be Someone - The Jam
Los Gallagher se declaran fanáticos de los Beatles y lo dicen a los cuatro vientos. Aquí un cover de Strawberry Fiels Forever.
Ésta es una canción de The Smiths con una de las mejores letras que se han escuchado. Noel ofrece honores a quien lo merece y nos damos cuenta del buen gusto musical que tiene. Pero difícilmente encontrarán covers que no sean de grupos ingleses.
Hablar de guitarras y guitarristas siempre será subjetivo, pero, considero, hace mucho quedó atrás dejarnos deslumbrar por o “los más espectaculares” o “los más veloces”. Ésta es mi opinón musical y mi gusto. Completamente subjetivo.
¿Cómo clasificar la forma de tocar de Johnny Marr? ¿Por qué creo que es importante? Bueno, Johnny Marr fue el guitarrista de The Smiths, afamada banda inglesa de los 80’s donde él era único compositor de la música.
La década de los 80’s llegó repleta de “reverbs” no sólo en las cuerdas, sino hasta en la batería o el bajo que estaba lleno de “medios”, mientras se bailaba moviendo la cabeza y las manos a un lado, luego al otro, y de regreso, durante toda la canción. Esa música posterior al New Wave; esa nueva ola Disco que incluso alcanzó y contagió al Rock. Marr no fue la excepción, y sí lo fue. Me refiero a que existió un sonido muy particular dentro de aquel sonido donde ubicamos en esa década a The Smiths.
Al parecer la singularidad de cómo toca Marr se encuentra en…:
Partiendo de lo simple, y lo que le gusta, como una canción de punk de tres acordes simples, busca, rebusca, juega y finalmente crea melodías pegajosas y hasta deslumbrantes, todo esto sin forzar la idea de la canción en una lectura diferente de la guitarra por la combinación de la armonía de afinaciones no usuales desbaratando acordes para tocarlos con arpegios (como se ve en el primer video de abajo).
En el rasgueo de la mano derecha también solía haber un arma rítmica fuerte y particular al tiempo de un buen “riff” de la otra, los riffs generalmente en las tres primeras cuerdas. La técnica no destaca por la velocidad, sino por una visualización distinta del instrumento, elementos cargados de versatilidad original en sus guitarras. Y al final, como él lo dice: “toco de la manera que lo siento”
No puedo dejar de lado todos los efectos que usaba, fue notable la utilización de feedbaks, distorciones, tremulos, flanger etc. Pero el verdadero color de sus composiciones viene precisamente del sonido específico que cada guitarra tiene. Por eso podemos ver en videos que pocas veces utiliza la misma guitarra para diferentes canciones.
Estas son algunas de las guitarras que usa frecuentemente:
Epiphones ES, Reakenbeiker, Fender (Stratocaster) (Jaguar), Gibson SG, Gibson Les Paul, Gretsch (Hollow Body) entre otras. En el segundo video utiliza una Telecaster, las cuales son de dos pastillas, comúnmente para un sonido más country, Marr le añade 2 pastillas extra para que se escuche como él quiere.
Este fin de semana pasado me fui al Pasagüero a ver a Xiu Xiu, banda poco conocida radicada en Seattle que según los críticos tocan: indie rock experimental. Al escuchar estos calificativos parece ser una banda actual más, de esas sin una propuesta interesante, porque ahora TODO es indie rock experimental con mezcla o fusión de… En fin, hay que darle el beneficio de la duda, darse unos minutos para escuchar su música y leer sus letras.
Lo que puedo decir del pequeño concierto donde se presentó Jamie Stewart (único miembro desde el principio, compositor y mente creadora) junto con su nueva dj, es que me pareció un show nuevo, ésta es música y propuesta que trata de reinventar lo que ya existe, juntando la armonía de una guitarra, la potencia de una batería, las melodías disonantes de los sintetizadores, la bella forma de cantar de Jamie, un sin fin de instrumentos complementarios y el NOISEEEEE! a momentos explosivo, a momentos tranquilo.
Esto es Xiu Xiu, un sonido un poco nuevo, un poco diferente. Como Fuck Buttons. No podría decir qué tocan. Las etiquetas las puede poner cualquiera.
SETLIST
1. Fabulous Muscles 2. Apistat Commander 3. Gayle Lynn 4. Muppet Face 5. Gray Death 6. Falkland Rd. 7. Dear God, I Hate Myself 8. Poe Poe 9. I Luv the Valley 10. Guantanamo Canto 11. Chocolate Makes You Happy 12. This Too Shall Pass Away (for Freddy) 13. Boy Soprano
Pienso en Niña como una banda parecida a The Pixies, no sé exactamente por qué, pero, por ejemplo, mientras los Pixies grabaron sus discos la música era poco entendida en su momento y nunca tuvieron éxito, a pesar de eso hicieron discos que ahora son clásicos del rock; tal vez la imagen influya, ninguno de los dos grupos tiene a un solo integrante con el estereotipo del rockstar; o quizás es porque ambos son respetados por los mejores grupos de su momento, claro, en sus respectivos países.
La primera vez que los vi en vivo ni siquiera me gustó. No tenían presencia y eran desorganizados en el escenario. El sonido era bastante regular, pero la energía nunca faltó.
Por otro lado Niña está hecho al viejo estilo: estuvieron tocando y tocando desde 1996. Fue hasta 2003 cuando pudieron sacar este disco R.O.C.K. Grabado deficientemente. Es una mezcla de lo que hasta el momento estaba haciendo esta banda de Monterrey, por donde han pasado muchos integrantes de la oleada regia y Happy Fi, siendo Chajoe el creativo detrás de su sonido.
Mi punto es: realmente son una gran banda con grandes canciones e idea musical. En la música destacan las guitarras de Chajoe y Adrian*(que después de mucho tiempo recientemente dejó la banda), junto con el juego de sintetizadores y atmosferas de tetris acopladas a las canciones. Además tienen una forma muy particular de componer música. Las letras le hablan a una generación de adolescentes que quieren divertirse; que les gusta el amor y la música; que viven con el vacío de la juventud, problemas familiares, personales; que son contestatarios a los medios y al sistema. Y que al final sólo quieren divertirse. Por estas y otras cosas Niña es Rock and Roll, y una banda infravalorada.
Hace unas semanas fue el concierto de Paul McCartney en México. Para mí la sorpresa fue que un día antes me dijeran: “te vas a ver a McCartney en vivo”. Por segunda vez pude estar disfrutando un acto del ex beatle que, por sobretodo, está lleno de emotividad. Esa emotividad de recordar los acetatos girar al compás de Back to the U.S.S.R. o Drive My Car. Crecí con los Beatles, como muchos, y esta vez Paul, a sus 68 años de edad, dio uno de sus grandiosos últimos conciertos de 3 horas, donde la gente de este país simplemente se le entrega.
SET LIST
Venus and Mars/Rock Show Jet All My Loving Lettin' Go Drive my car Highway Let Me Roll It/Foxy Lady The Long and Winding Road Nineteen Hundreth Eighty Five Let 'Em In My Love Shine a Light (in México) I´ve Just Seen a Face And I Love Her Blackbird Here, Today Dance Tonight Mrs Vandebilt Eleanor Rigby Something Sing the Changes Band on the Run Ob-La-Di, Ob- La- Da Back in the U.S.S.R. I've Got a Feeling Paperback Writer A Day in the Life/Give Peace a Chance Let It Be Live and Let Die Hey Jude
Encore 1: Day Tripper Lady Madonna Get Back
Encore 2: Yesterday Helter Skelter Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (Reprise)/The End
¡¡Todas estas canciones tocó!! ¿De dónde saca tanta energía?
Éste es un artículo que Ariel nos regala para el blog.
Ariel es la persona que escribe el interesantísimo blog lunático Amb la lluna, un espacio con un gusto muy fino del cual soy fan, entonces es un agrado compartir artículos con él. Entren y lean acerca de músicos, pintores, escritores, personajes legendarios del arte, más un largo etc.
Después de que me invitó a escribir un texto para su otro blog especializado en música: LOS SUEÑOS, nos regresa la cortesía así:
DARBY, THE GERMS Y LA FURIA PUNK.
En 1976, Pat Smear y Darby Crash formaron la banda de punk "The Germs", en Los Angeles, junto con la bajista Lorna Doom y Belinda Carlisle en la batería, esta última dejó muy pronto la banda para convertirse en la cantante de The Go Go's, su lugar fue ocupado por Don Bolles, con esta formación, se convirtieron en leyenda angelina de los clubes que constituían el circuito punk de la ciudad y grabaron un disco que hoy es un objeto de culto, considerado por los críticos como el mejor disco gringo de punk en la historia.
La figura central de la banda, el frontman, era Darby Crash quien en realidad se llamaba Jan Paul Baehm, un adolescente proveniente de una familia disfuncional, nunca conoció a su padre, su madre nunca tuvo la menor idea de lo que corresponde hacer a una madre, su hermana se murió por sobredosis de drogas y él además de cargar toda esta trágica y sórdida historia, era homosexual, lo que en un ambiente rudo, violento y machista como el del punk, no era nada bien visto.
Pero para Darby, no había un ambiente mejor que ese que reclutaba a los marginados, rechazados, incomprendidos, furiosos y freaks de toda calaña, así que adoptó la imagen, ideología y forma de vida punk sin ambages ni titubeos, sus presentaciones en vivo eran colosales orgías de drogas y violencia, no había una en la que Darby no saliera al escenario, "hasta las chanclas" de heroína o que no terminara con batallas campales entre los mismos músicos o entre músicos y expectadores o entre expectadores y expectadores.
En ellas Darby era todo un espectáculo, gritaba y gemía, como buen cantante de punk, se tiraba al suelo y volvía a gritar, se olvidaba de las letras e improvisaba versos apocalípticos. en esos años The Germs crearon una muy mala fama entre los dueños de clubs que fueron cerrando uno a uno sus puertas, los Gérmenes solían enorgullecerse de que ya habían sido vetados en todos los clubes de Los Angeles.
En 1979, grabaron su primero y único LP, llamado GI, que tuvo muy buenas ventas, después de que saliera el disco, Darby disolvió la banda y se fue a Londres, en donde entró en contacto con las Ligas Mayores del Punk, o sea, la escena Punk de aquella ciudad y al regresar formó una nueva banda en la que sólo Pat, de los antiguos Germs, estaba incluido, la nueva agrupación era la Darby Crash Band Circle Jerks.
El 6 de Diciembre de 1980, después de una presentación con su nueva banda, Darby fue a visitar a su amiga y bajista de The Germs, Lorna y le regaló su inseparable chamarra, diciéndole que ya no la iba a necesitar, luego cuando alguien le preguntó que haría esa noche, contestó que se iba a suicidar, más tarde, se inyectó una dosis mortal de heroína y dejó de existir a los 22 años de edad, la noticia de su muerte empezó a circular el día 7, pero el 8, fue asesinado John Lennon en New York y esta terrible noticia apagó a cualquier otra, el hombre que siempre había sido marginado, menospreciado y maltratado, no llamaba la atención ni suicidándose, había otro muerto más importante que él.
Poco se sabe de alguien que debería ser tan admirado como Johnny Thunders y que es menos famoso que Kamliux.
En América a mediados de los 70’s un movimiento se estaba gestando en el CBGB. El bajista Richard Hell había sido echado recientemente de Television, al parecer Tom Verlaine, frontman y su viejo amigo de escuela, quería todo el crédito; de los New York Dolls habían salido esa misma semana Jerry Nolan y Johnny Thunders por lo que los tres formaron a los Heartbreakers donde Hell duró poco tiempo. Decidido a hacer ruido y desmadre por su cuenta se pone a hacer este discazo con ayuda en los tambores de un tal Marky Ramone. Richard formó su propia banda y también inició el fashion del punk, sino vean la portada de éste el Blank Generation. Nombre que se le da a estos art-punks, si es que eso existe. En fin, tan buen letrista era el tal Hell que después se volvió poeta. Pues sí debería ser un poco más famoso no?
No sé quién inventó el "punk". No sé si fueron los mc5 o los Monks o, mejor aún, Los Saicos. No importa, ni siquiera sé si esa música valga realmente la pena o simplemente salió porque el progresivo empezaba a aburrir, pero como tal alguien empezó a usar esa etiqueta a partir de los Ramones o tal vez de los Sex Pistols, sin embargo sé que estos dos grupos no hubieran sido nada sin Iggy Pop y su banda.
Esto pensaba Iggy, 8 años después de lanzar su primer disco con The Stooges, cuando empezó a utilizarse dicha palabra:
I’ll tell you about punk rock: punk rock is a word used by dilettantes and, uh… and, uh… heartless manipulators, about music… that takes up the energies, and the bodies, and the hearts and the souls and the time and the minds, of young men, who give what they have to it, and give everything they have to it. And it’s a… it’s a term that’s based on contempt; it’s a term that’s based on fashion, style, elitism, satanism, and, everything that’s rotten about rock ‘n’ roll.’I don’t know Johnny Rotten… but I’m sure, I’m sure he puts as much blood and sweat into what he does as Sigmund Freud did. ........ You see, what, what sounds to you like a big load of trashy old noise… is in fact… the brilliant music of a genius… myself. And that music is so powerful, that it’s quite beyond my control. And, ah… when I’m in the grips of it, I don’t feel pleasure and I don’t feel pain, either physically or emotionally. Do you understand what I’m talking about? Have you ever, have you ever felt like that? When you just, when you just, you couldn’t feel anything, and you didn’t want to either. You know, like that? Do you understand what I’m saying, sir?
Nine inch nails nos dijo adiós el año pasado, que mala noticia, la buena es que solo NIN murió y trent reznor sigue (nos dejo dicho), un músico que en lo personal es de una mente brillante creando música industrial, o mejor dicho, recreando la música industrial, y que mejor muestra que éste su primer disco siendo él el autor, instrumentista, cantante y productor de casi todo el álbum, y así durante dos décadas nos dejo varios, donde los sintetizadores han sido sus mejores aliados y lo seguirán siendo al parecer, marcando un estilo propio, pues ya salió a la luz parte de su nuevo proyecto llamado "How To Destroy Angels" con un sonido que acostumbramos a escucharle a nin o mejor dicho a Trent Reznor. Hay que seguirle el paso a ver con que nos sorprende por lo mientras esta rola como su primer sencillo para que juzguen ustedes.
El mejor disco de los Cadillacs mezcla metal, jazz, progresivo, tango, hard core, surf y ritmos latinos, cambiando su estilo y sonido (la guitarra es la más evidente), se orientan al lado experimental. La oscuridad es llevada a su máxima expresión: cambios súbitos en la música y letras referentes a “historias de brujos”, muertos, locos, calaveras vivientes y El Mandinga (el diablo que se hace pasar por humano). Risas oscuras y gritos por todas partes se pueden escuchar, por ejemplo, pequeños diablos riendo detrás del piano jazzero de El Carnicero de Giles; en Sabato, hay un mensaje oculto en un discurso que Flavio pronuncia detrás de la canción; Howen podría ser la música perfecta para una procesión por el desierto hacia el cementerio. De repente, un asomo de luz es- Hoy Lloré Canción, una colaboración con Rubén Blades a base de puras percusiones y un bajo.
Tal vez sea conocido como el disco donde encuentras Calaveras y Diablitos, tal vez por ser el ganador del Grammy, no obstante hay un homenaje a lugares y personajes importantes de Argentina, específicamente a Buenos Aires. En “El Carnicero de Giles” recuerdan un múltiple asesinato en San Andrés de Giles. Sabato, un homenaje al escritor Ernesto Sabato. Piazzola, homenaje al músico Astor Piazzola. Se menciona el puerto de Mar del Plata o La Paternal, barrio de Buenos Aires.
El disco es compuesto en su mayoría por Flavio Cianciarulo, bajista de la banda, entre él y Vicentico se dividen el trabajo de composición; personalmente siempre me han gustado más las canciones de Flavio.
De ser una banda que alguna vez cantó “quiero morir tocando ska” en los 80’s, influenciados por bandas como The Specials, Madness, The Clash, y Dead Kennedys, han pasado por el repertorio más ecléctico de Argentina, por ejemplo, El León y Rey Azúcar podrían ser considerados sus mejores álbumes. Cuestión de gustos.
Give Up es el disco que en 2003 causó sensación. Editado por una pequeña disquera independiente: Sub Pop, llegó a los número uno de las listas inglesa y americana. Fue hecho por una banda, que como tal, no tenía antecedente alguno. Ellos son Ben Gibbard (de Death Cab for Cutie) y Jimmy Tamborello, quienes componían enviandose la música por medio del servicio postal americano. El éxito no los descontroló; después de 7 años (y contando) no han vuelto a hacer algo, aplazaron un segundo disco por no estar seguros de tener canciones suficientemente buenas. Pero nada de lo anterior se ha interpuesto para hacer de Postal Service un grupo reconocido y de Give Up un disco de culto.
En esta propuesta (aún) fresca encontrarán cajas de ritmos y sintetizadores paneados de una bocina a otra, por el lado electrónico. En la parte melódica, la suave voz de Ben, acompañado por Jenny Lewis, cantando letras por momentos empalagosas. El resultado de esta mezcla es algo así:
El evento estaba planeado a las 10 de la noche. Abrirían puertas a las 8; llegamos media hora antes. Las 2 filas para entrar, afuera de la explanada del Estadio Azteca, ya eran tan largas que decidimos anexarnos al montón de gente que se había colado hasta adelante gracias a la inexistente organización. Abrieron tarde. Ya en el lugar una voz en las bocinas decía: “les pedimos que no se empujen, den un paso para atrás”. ¿Nunca has estado en un concierto? Algo ilógico y ridículo. La pésima organización ya se sentía por dondequiera. Pero qué importaba esperar parados y un poco aplastados. A las 9 saldría, pero nunca salió, Sleepy Sun (conocidos sólo en su casa); a las 10 los Arctics. Mientras por las bocinas: “les pedimos su apoyo, no se empujen…”. Bien, bien, ya nos percatamos que es la primera vez que organizas un concierto. A las 11 de la noche seguíamos ahí, parados, sudando, con sed y hambre, ahora una voz femenina: “los Arctic Monkeys saldrán en 15 minutos” y por enésima vez la segura recomendación “pero les pedimos, por favor…”. Rechiflas y más. A las 11:45, aproximadamente, salieron a tocarle a un público cansado. Algunos ahora dicen: “tocaron menos” o “no tenían ganas”. La verdad es que tocaron el setlist de su gira. Traen un disco mucho más tranquilo y se basaron en éste. Y es que el punto fuerte son canciones como Brainstorm, por el lado suave no tienen tan buenas canciones como la gran Cornerstone. Tocan increíble a pesar del sonido muy irregular que en momentos hubo. Un gran momento fue cuando Alex Turner dijo: “thank you for coming” y tocó When the Sun Goes Down, que casi nunca tocan en esta gira.
SETLIST
Dance Little Liar Brainstorm This House is a Circus Still Take You Home Red Right Hand (Nick Cave cover) Potion Approaching My Propeller Crying Lighting The View from the Afternoon I Bet You Look Good On The Dancefloor Cornerstone If You Were There, Beware Pretty Visitors Do Me A Favor When The Sun Goes Down Fluorescent Adolescent 505
A estas alturas a Muse le sobra la experiencia dando grandes shows en vivo. Desde sus comienzos la música se ha prestado para eso: Distorsión, riffs potentes, baterías veloces y la voz de Matt Bellamy que alcanza tonos muy altos. Un poco al viejo estilo de bandas como Led Zeppelin. Un trío con un sonido muy nítido y explosivo que hace ruido como si fueran diez. Uno de los mejores shows de rock actualmente. Su buena discografía ha logrado que en su show toquen un hit tras otro. Un producción visual enorme.
este fue el setlist:
Uprinsing Resistance New Born Map of the Problematique Supermassive Black Hole Hysteria MK ultra Nishe United States of Eurasia Feeling Good (Leslie Bricusse & Anthony Newley cover) Helsinki Jam Undisclosed Desires Starlight Unnatural Selection Time is Running Out Plug in Baby Exogenesis: Overture Stockholm Syndrome Knights of Cydonia
"Rock and Roll is not about a band, it's a matter of being inmortal"
Malcolm McLaren ha muerto el pasado 8 de Abril a la edad de 64 años a causa de cáncer.
Hace ya mucho tiempo viendo un video de bandas inglesas me dijeron: “ese tipo (McLaren) llevó el punk a Inglaterra” mientras la cámara tomaba a un espectador alto, delgado y de pelo chino, en el público de un concierto. Nunca lo olvidé y tampoco su nombre, pero no entendí en ese momento porque, él precisamente, fue quien llevó esta música a la isla de la reina desde su país, Estados Unidos. Adentrándome más en música, me enteré que no sólo era el manager de los Sex Pistols, sino quien los había formado, con una gran visión, quitando y poniendo miembros a su gusto. Organizó el famoso viaje en un pequeño barco donde los Pistols tocaron y varios fueron arrestados. Cuando el grupo se desintegró John Lydon (vocalista) y McLaren quedaron tan peliados que incluso se demandaron por los derechos de las canciones del grupo. A final de cuentas Malcolm McLaren era un empresario, con una visión muy creativa aunque a veces poco honesta. La historia sigue hacia atrás, pues tiempo después cuando conocí a los New York Dolls, el nombre de este personaje aparecía nuevamente, fue manager de ellos en 1975 y maquilaba, su ridícula e increíble ropa. Por aquellos años tenía la tienda en Londres llamada SEX. Entonces… si, él llevo el punk a Inglaterra.
Igual que Lydon, McLaren hubiera sido una estafa pasajera sin sus proyectos musicales después de los Sex Pistols. Unos años pasaron para que Malcolm empezara a hacer una carrera musical como solista, así en 1983 sacó un gran disco: Duck Rock, donde viene la famosa Buffalo Gals. Con este y sus siguientes discos, donde mezcla Hip Hop, Disco, Funk, y que fueron varios, tuvo una aceptación regularmente buena del público que lo hizo convertirse en artista de culto.
La importancia de llamarse Kraftwerk radica en una larga influencia que a través de los años ha dejado a grupos tanto del rock, el electrónico y muchos otros subgéneros, (las personas que inventaron el House y el Hip Hop en sus comienzos hacían mixes de las canciones de Kraftwerk). Fueron los primeros en utilizar simplemente sintetizadores en todas sus canciones, los padres de la música electrónica pues. No concibo la música de The Chemical Brothers o Daft Punk, por poner un ejemplo, sin la influencia este legendario cuarteto.
Kraftwerk nació de aquella corriente de música experimental alemana llamada: krautrock, a finales de los 60’s. Fue uno de los 4 grandes grupos en esa onda de experimentación, pero su sonido fue mutando hasta adquirir una identificación que los caracterizaba por la repetición interminable de secuencias, utilización de instrumentos electrónicos y música minimalista. Esta repetición de melodías pegajosas, como en Man Machine, se quedan en tu inconsciente sin ningún problema. Y hay que tener en cuenta que en ese tiempo no existía el Software, eran pocos los sintetizadores análogos, las computadoras personales eran cosa de películas futuristas.
Siguen tocando; Monika y yo, quienes hacemos este blog, somos fans y los pudimos ver el año pasado en vivo. Gran momento. aca un ejemplo
Goeff Barrow conocido por ser músico y productor de la banda Portishead, junto con otros dos músicos de Bristol emprenden un nuevo proyecto llamado BEAK>, dándose a conocer con su primer trabajo en diciembre del año pasado bajo la ipecac records. Hablando un poco de la estética del álbum tiene una influencia del krautrock y se distinguen algunos elementos sonoros similares al Third.
Es un álbum que al escuchar por primera vez sus 12 canciones, la mayoría con una duración de 5 a 7 minutos, me quede con la sensación de querer escuchar más, también una sensación de que es un proyecto que tiene un buen comienzo con buenas expectativas, y a pesar de no tener ni medio año de salir por primera vez de los estudios de grabación como Beak> ya han tenido presentaciones en varias partes de Europa recibiendo buena aceptación por parte de los escuchas.
Funeral es el disco debut de la banda canadiense Arcade Fire, con el que se presentaron al mundo como una de las bandas emergentes más originales del nuevo siglo.
Parte del disco está basado en las muertes de familiares de los integrantes del grupo, por eso el nombre. En principio, esto provoca cierto interés y emotividad, a la vez que lo hace un álbum conceptual. Las canciones hablan de la vida, de cómo ven a la sociedad y, claro, de la muerte, ésta en momentos descrita en primera persona incluso. Un joven escapa de su casa; la nieve tapa la ciudad de Montreal (Power Out); Creces y te das cuenta de las mentiras que te han dicho los mayores (Wake Up); Alguien es mordido por un vampiro, en una canción que habla de la primera creatura viviente en el espacio (Laika); Alice muere en el asiento de atrás de un carro (In The Back Seat). Estas historias son contadas bajo la creatividad de Win Buttler, su esposa Regine Chassagne y compañía. Las letras van más allá de lo que parecen describir, interpretar letras tan oscuras y ambiguas, que así como pueden ser ficción también pueden ser realidad, no es una tarea fácil.
Sus conciertos en vivo son lo más destacado, pueden ser casi teatrales. En cada actuación plasman una emoción peculiar. Utilizan instrumentos que en mi vida había visto, mientras que de una canción a otra van rolándose los puestos para que alguien toque la batería, después se pase al bajo o al teclado. Todos mantienen una imagen agradable pero indiscutiblemente extraña.
El reciente disco de Furland es un proyecto bastante ambicioso y original para una banda mexicana. Después del EP “a casa voy” y de dos años de trabajar en el nuevo álbum, estos chicos regresaron con una producción de la mano de “Meme” de Café Tacvba, reafirmando un sonido propio, pero ahora experimentan con muchos más instrumentos. En este disco podemos escuchar varios instrumentos de viento: violines, chelo, viola, trompetas, corno francés, flautas.
En Historia de la Luz el tema recurrente son los colores, el espacio, la luz, el amor, la búsqueda de la felicidad. Sin duda las canciones van por un mismo rumbo conectándose unas con otras en esta mezcla de folk cósmico. Este trabajo está minuciosamente cuidado en cada acorde. ¡Muy bien por Furland al atreverse a hacer este tipo de cosas para el rock nacional!
Concierto en el MUAC
La semana pasada fui a verlos al MUAC en un show pequeño que duró alrededor de una hora en donde pudieron presentar varias canciones de su nuevo disco. Debo decir que en vivo suenan muy bien, en general el show es tranquilo pero tienen momentos donde la música explota repentinamente; con las nuevas adiciones a la composición también agregan más instrumentos al acto en vivo. Ahora tienen una guitarra de apoyo que amplía su sonido, Jacinto Di-Yeah, aparte de encargarse de los syntes, agarra la trompeta al lado de otro miembro nuevo que toca el corno francés (aunque no estoy seguro si ese es su nombre), sin olvidar el banjo del vocalista Sergio Silva, más todos los demás instrumentos de una banda de rock. Sólo habría que decirle al tecladista que no baile. La banda ha crecido interpretativamente, creativamente, ahora que hacen más ruido y su set aumentó, se perfilan para ser una banda importante.
Ahora que la visita de Alex y Allison Grey va de boca en boca quiero compartir un disco que para el diseño del álbum Alex Grey fue participe.
"Lateralus" es el tercer disco de la banda en la que trasciende de manera que, el gusto por la numerología de Danny Carey, el art-work de Adam Jones, la voz de Maynard dándole la esencia a las letras, y claro sin dejar atrás el trabajo del ex bajista Paul D'amour, hicieron de este álbum una obra maestra del siglo XXI. Hablando de su estética, transformaron su estilo metalero poniéndole un ligero ambiente electrónico como en "The Patient", o sonidos tribales como "Reflection".
El arte del disco fue idea de Adam Jones, quien se acercó a Alex Grey con el concepto del arte del disco, basado en la anatomía del cuerpo humano sobre revestimiento en acetatos. Adam Jones a parte de gran músico es un artista visual, trabajando, claro, con la banda, para los videos de algunas de la canciones de "Lateralus".
Siendo sincero nunca había escuchado hablar de Alex Chilton hasta esta semana pasada que murió; en algunos “tweets” mencionaron el caso. En uno de estos un link me llevó a escuchar una canción de él, luego otra y otra. Ahora llevo escuchándolo la mitad del día.
Su historia se remonta a la mitad de los 60’s con su primer banda The Box Tops (67-70). Después con Big Star (71-74) para posteriormente hacer un carrera como solitario. Siguió haciendo música y tocando hasta sus últimos días.
Aunque tengo muy poco de conocer su trabajo, quiero recordarlo en este blog porque influenció a bandas que realmente admiro como: R.E.M. Primal Scream, The Cramps y The Replacements.
Acá una canción de Big Star, famosa por el That 70's Show
Hoy es viernes, día de fiesta, espero que vaya bien y termine lleno alcohol u otras cosas, sino ¿cómo se nivelaría el tiempo que pasamos leyendo o en la escuela?
En fin, pensaba hablar de un disco pero como no tengo luz la pila de la lap no me alcanzará mucho tiempo, así que si esto se trata de "música y otras cosas" pues, aquí otra cosa...
Del libro Haunted de Chuck Palahniuk el famoso relato Guts o Tripas, en español
El festival de México ofrece una exposición de "El mundo invisible" de René Magritte, en el Palacio de Bellas Artes (INBA). Fue un pintor surrealista que empezó con trabajos como diseñador gráfico, para convertirse en un gran artista principalmente del surrealismo, con influencias futuristas y cubistas. En la exposición podemos encontrarnos con trabajos de su inicio como diseñador gráfico hasta obras de los años cuarenta en el que empezó a darle un toque impresionista, y fue una etapa en la que no dio mucho de qué hablar. Conocí a este pintor encontrando obras alusivas a "Fantômas", un villano de la literatura francesa a principios del S.XX donde posteriormente fue adaptado al cine mudo y como comic; y con anterioridad les he hablado de la banda del mismo nombre.
Magritte en 1938 con "El Salvaje", obra realizada diez años antes e inspirada en el anuncio de la película Fantomas
Primer banda de nuestro país, México, de la que hablamos aquí. Encontramos a tres muy buenos músicos, de los mejores que tiene este país, en esto llamado Titan. Con sus diferentes proyectos, ellos son: Emilio Acevedo (Sonido Lasser Drakar) Julián Lede (Silverio) y Jay de la Cueva (Fobia, Moderatto).
Titan había sacado un disco ya, con poco éxito, que según ellos no pegó porque la gente andaba metida en otra onda musical. Después de un tiempo Paco Huidobro propuso a Jay, que por esos tiempos andaba sin banda, para el bajo como el tercer integrante y cambiando a su anterior bajista, entonces se completó la formación. Aunque dice Jay que le costó mucho adaptarse a la banda, creo que la combinación salió exitosa, la muestra es Elevator. El éxito internacional del disco los llevó a una gira con Moby (que presumen estuvo de hueva porque Moby es muy aburrido jajaja) y tocar en Coachella. Chéquense estas canciones llenas de los samplers de Emilio, los sonidos y ruidos en la guitarra con Julián y las grandes líneas de bajo de Jay; de todos los instrumentos que él toca en todas sus bandas, a mi parecer, éste es el que mejor le sale.
Es característico en Titan hacer cosas que no siguen la influencia musical que existe en el momento, sino innovar o reinventar como lo hacen en cada disco.
El lunario estaba lleno, la gente estaba prendida y Kashmir tocó muy bien por poco más de dos horas. En esta su última de tres noches en México hasta se aventaron un cover y toditos sus hits. Suenan en vivo bastante bien, utilizan muhcas secuencias grabadas de instrumentos y efectos en voz, guitarras, syntes, etc. Son muy buenos interpretes sobretodo Kasper Eistrup, vocalista y guitarra principal. Y es de destacar la muy buena vibra que trae la banda. Mi mejor momento Mantaray y Rocket Brothers.
WòEd1Mén0rX!
No sabía lo que podía pasar, no conozco lo suficiente como para asistir a uno de sus shows, pero eso que importo, lo escuche, lo vi y lo disfrute mucho, no me desagrado en ningun momento, y concuerdo con WóEd1Mén0rX!, su interpretación fué muy buena, durante todo el concierto nos llevaron con sus melodias. Su energía, su sencillez y hacer buena música los describen muy bien.
Una historia que comienza por un fanático del LSD, el blues, la psicodelia y la poesía, y que poco duro su presencia musical como parte de Pink Floyd, pero nos dejo su tan peculiar esencia en un disco muy influyente en la escena del rock, hablo de Syd Barret, que irónicamente su pauta (una entre tantas) por iniciarse en la música, fue el consumo de sustancias psicoactivas, y al caer en el exceso lo llevaron a un estado mental deteriorado y por lo tanto tuvo que dejar a la banda; fuese o no fuese una lástima, la banda continuó, y su separación no fue motivo para olvidarlo como un gran músico, este grande ¡siempre! fue parte de Pink Floyd.
Si queremos conocer una parte breve de esta historia, es momento para escuchar este álbum, es uno de mis discos favoritos, "Interestellar Overdrive" uno de los singles, fue la canción con la que conocí al grupo, y una parte de mi historia, es que desde aquel momento tuve un gran vinculo con el rock.
Tanto tiempo paso para la llegada de "Third", casi diez años de no saber nada desde la salida de su último álbum de estudio, pero valió la pena la espera. A su salida pasaron tres cuatro días para ir a comprarlo, de ahí a casa, play y comienza.... Mi primera impresión fue que ya no eran los portishead de siempre, fue muy notorio, dejaron el jazz y el soul atrás, ahora solo pura melancolía; la inspiración de estos músicos, (dicen ellos mismos), sus últimas vivencias; la muerte, la separación, la soledad, la tristeza. Ahora lo que yo me pregunto es: ¿Cuánto tiempo más para su visita en México?
Después de un largo trayecto en la música Pearl Jam se reinventa como banda; musicalmente y como un trabajo en equipo, el guitarrista Stone Gosard y el bajista no se quieren quedar atrás y son los autores de las letras de algunas canciones de este disco, re-evolucionan el concepto como una banda de grunge, puesto que "Yield" cuentan con una influencia setentera, singles que salen del "ámbito Pearl Jam" desde 1991.
Se rumora que podrían presentar una gira a finales de este año por la salida de su nuevo álbum y vendrán por supuesto a México después de 5 años si no mal recuerdo, ahí estaré y estaremos varios; ¡a gozar el rock!.
En un tocadiscos viejo comienza a sonar Cosmic Dancer y Billy Elliot salta en su cama (en cámara lenta) al compás de la música, “I was dancing when I was twelve, I was dancing when I was ooh…”, la canción es de un disco de su hermano mayor, por lo tanto intenta no maltratar el vinil, pero es inútil, ya lo ha rayado, ahora su hermano se dará cuenta y de un golpe no se salvará Billy. No importa, yo hubiera hecho lo mismo, el disco era: Electric Warrior. Ahora hay una huella en mi cerebro con esa imagen y esa canción juntas. Siguiente paso: el soundtrack, ¡qué canciones! London Calling o Town Called Malice pero ¿Quién es T. Rex? ¿Quién es Marc Bolan? a) Un tipo que tenía un forma única/genial/hipnotizante de tocar la guitarra y una voz andrógina b) Un completo Rockstar o mejor dicho Glamstar que murió en un accidente de automóvil c) Alguien que sacó su nombre del mismo Dylan d) Magia. Bueno, si, era todo eso y aparte tenía un programa de televisión. La parte más importante de esa historia está almacenada en este disco. Así, se inmortalizó. Una historia que quisieras que siguiera, o por lo menos que no se acabara tan rápido. LIfe’s a Gas.
Este es otro indeseable blog de música circulando por la red. Escribimos acerca de lo que queremos estar escuchando y no lo que nos dicen que debemos escuchar. Esperemos que les agrade y contagiar un poco de nuestro buen o mal gusto.
